中古です。
レンタル落ちではありません。再生確認済みです。
プラスチックケースには経年のスレがあり、ライナーにはわずかにヨレがあります。
盤面は新品同様にきれいです。
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物質の核心へ向かって（Towards the Heart of Matter）
ハリー・ハルブライヒ（Harry Halbreich）
「誠実、寛大、良心」——これは、1936年にグループ「若きフランス（Jeune France）」を結成した4人の若きフランス人作曲家たちが掲げた誇り高きモットーであった。その中で最も重要であり、当時すでに最も知られていた二人は、アンドレ・ジョリヴェとオリヴィエ・メシアンであり、彼らは数年前から互いを知り、認め合っていた。他の二人は、グループの実際の創設者であるイヴ・ボードリエとダニエル＝ルシュールであった。1908年12月10日生まれのメシアンが4人の中で最年少であったのに対し、1905年8月8日に生まれたアンドレ・ジョリヴェは最年長であった。彼らが選んだモットーは、当時普及していたしばしば軽薄で浮ついた新古典主義の傾向に対する反動であると同時に、過度に抽象的で理知的な傾向に対する反動でもあった。それは、強い精神的、さらには宗教的な意味合いを持つ人間主義的な理想を定義するものであり、「若きフランス」という名称は、エクトル・ベルリオーズの高揚したロマン主義を暗示していた。
30年代半ばにおいて、これは確かに主流の潮流に逆らうことを意味しており、それはその後も変わることはなかった。それ以外については、メシアンとジョリヴェはそれぞれ非常に強い個性を発展させ、独自の道を歩んだ。メシアンがパリ音楽院の純粋な申し子であったのに対し、モンマルトル出身の生粋のパリジャンであるジョリヴェは、晩年にパリ音楽院で作曲を教えることになるものの、音楽学校に通ったことは一度もなかった。早熟な才能に恵まれた彼は、1928年から1933年にかけてポール・ル・フレムの下で和声、対位法、フーガ、音楽形式の教育を終える前に、いくつかの個人レッスンを受けていた。ジョリヴェをエドガー・ヴァレーズに引き合わせたのはル・フレムであった。1930年、このアメリカ化したフランス人がパリで過ごした5年間のことであり、この出会いは若きジョリヴェの音楽キャリアにおける最大の転換点となった。
彼はヴァレーズの最も重要な弟子であり続け、また唯一のヨーロッパ人の弟子でもあった。ヴァレーズは、彼が解き放ち、習得した宇宙的な力が作用する音の最深部へと、ジョリヴェが浸透することを可能にした。こうして彼は、1938年に書かれた初期の主要な管弦楽曲の一つである『宇宙生成（Cosmogonie）』の問題や、宇宙の基本的な原初的な力の探求に、急速かつ永続的に関与する「音エネルギーの創造者」となった。ここに録音された弦楽のための2つの晩年の作品、『時の矢（La Flche du Temps）』と『陰陽（Yin-Yang）』と同様に、カンタータ『物質の核心（Le Cur de la Matire）』、オルガン曲『マンダラ（Mandala）』、そして『宇宙への賛歌（Hymne l'Univers）』といったいくつかの重要な作品がこれを証明している。それらの力は、儀式、祈り、呪文を通じて解放されるものであり、人類の黎明期からそうであった。フルート独奏のための『呪文（Incantations）』、『呪文の踊り（Incantation Dance）』、そして管弦楽のための『5つの儀式的舞曲（Five Ritual Dances）』は、彼の初期の最も重要な作品に属している。
「儀式」という言葉とともに、私たちは宗教に触れることになる。メシアンとは非常に異なる形ではあるが、ジョリヴェもまた宗教的な作曲家であり、常に「re-ligare（再び結びつける）」という言葉の語源を強調していた。つまり、神と人間、そして人間同士を繋ぐことである。実際、ジョリヴェにとって音楽は何よりもコミュニティを呼び覚ますものであり、これが冒頭のモットーへと私たちを立ち戻らせるのである。
当初からジョリヴェの音楽語法は、急進的で妥協のないものであった。1934年に完成した彼の唯一の『弦楽四重奏曲』は、12音技法（非組織的ではあるが）と音列を扱った最初期のフランスの作品であった。そしてヴァレーズの弟子であった彼は、すぐに大胆なリズムの使い手として、また、豊かで非常に濃密な無調の和声や、粉砕するような力を持つ管弦楽の爆発によって伝えられる、かつてない強度の耳障りで暴力的な音のイディオムの巨匠として頭角を現した。若きジョリヴェは音楽界の「フォーヴ（野獣）」であり、戦時中には彼の音楽語法が旋法的・全音階的な方向へとやや穏やかになったにもかかわらず、彼は最後まで「フォーヴ」であり続けた。1951年のストラスブール音楽祭での『ピアノ協奏曲』の初演は、20世紀の音楽史上最大の不祥事の一つとなった。そして彼の最後の作品でさえ、耳障りさと若々しい活力をいささかも失っていない。彼は扱いにくい、妥協のない個人主義者であり続け、早すぎる死（1974年12月20日）から20年経った今でも（彼は最後にしておそらく最大の傑作となるはずだった全4幕のオペラ『ボゴミール、または失われた中尉』を未完成のまま残さざるを得なかった）、彼の音楽は決して扱いやすくなってはいない。実際、古きものへの回帰、ネオ・ロマン主義やネオ・トナリズムへの郷愁、アヴァンギャルドの解体が叫ばれる現代において、それはおそらくかつてないほど「流行遅れ」である。未来はまだその大胆さに追いついておらず、後世もまだ追いついていないのである。
ジョリヴェの音のイディオムは、今世紀のあらゆる豊かさを非常に独創的な統合へと集約している。それは同時に無調であり、最も広く自由な意味での12音技法的であり、そして旋法的であり、主に作曲家自身の考案による複雑な音階を扱っている。しかし、慎重な「音の極性化」（いかなる場合も主音や機能和声を意味するものではないが）と、彼の音および形式構造の主要な特徴である数学的比例、とりわけ黄金比の一貫した使用により、不透明さやアナーキーさを常に回避することに成功している。
今回初めて集められたジョリヴェの弦楽オーケストラのための作品群は、彼の最も急進的な側面を示しており、実際、初期の『アンダンテ』という唯一の例外を除いて、これらすべての曲が世界初録音である。技術的には、これらは演奏が極めて困難であり、その書法はしばしばぎこちなく危険で、可能性の限界に危ういほど近づいている。これは当時のベートーヴェンの後期四重奏曲がそうであったように、受け入れられるまでに長い時間を必要とした。ジョリヴェの音楽は待つことができるが、本録音はそれらが認識されるための重要な一歩となるだろう。
『アンダンテ（Andante）』は1935年の初期作品で、約172曲あるカタログの31番にあたる。これは1934年の『弦楽四重奏曲』の緩徐楽章を拡大編曲したもので、声部はソロ・ヴァイオリン、ソロ・ヴィオラ、ソロ・チェロを含む最大10部にまで拡大されている。実際の作曲は元の77小節ではなく90小節あるが、一つの新しいフレーズを除けば、これは主にアーティキュレーションとフレーズに関する局所的な拡張によるものである。ジェーン・エヴラールの女性オーケストラ（当時としては稀有な現象であった）が、1936年5月25日にパリのエコール・ノルマル音楽院で、この非常に表情豊かな作品の初演を行った。
続く2つの弦楽のための作品は、ジョリヴェの創作中期にあたる1960年と1961年に短い間隔で書かれた。『アダージョ（Adagio）』は1961年5月27日にフランス放送で作曲家自身の指揮により初演された。これは特に表情豊かな作品であり、おそらくより親しみやすい作品でもある。例外的に「音楽以外」の由来を持っており、当時のフランス放送の音楽部長であった作曲家アンリ・バローが、「絵画におけるスペクトル研究」という一連の放送番組のために数曲を委嘱したものである。ジョリヴェは、エル・グレコの有名な『オルガス伯の埋葬』にインスピレーションを得た曲を書くことになった。この非常に表情豊かな作品の形式構成は、カンヴァスの構造を密接にモデルにしている。底部には墓へと沈んでいく死体があり、上部にはキリストが栄光の中に君臨する巨大で力強い天の曲線がある。魂は、祈る仲介者たちの助けを借りて、祝福された人々、聖母、聖人の間の狭い通路を通って、キリストのもとへと運ばれていく。
『アダージョ』（作品番号136）の直後、ジョリヴェは3楽章からなる『弦楽オーケストラのための交響曲（Symphony for String Orchestra）』（作品番号139、1961年）を書いた。これも1962年1月9日にフランス放送で、マニュエル・ロザンタール指揮国立管弦楽団によって初演された。今回、この「硬いナッツ」を割るのはあまりに困難で、作品は受容も評価も得られなかった。それ以来ほとんど演奏されることはなく、ジョリヴェの最も困難な作品の一つであり続けている。彼はこの作品を、番号付きの（3つの）フルオーケストラのための交響曲の正典には含めなかったが、年代順には第2番と第3番の間に位置する。
3楽章（おなじみの「急ー緩ー急」の順序）という非常に厳格で古典的な形式の枠組みは、ある意味でこの作品の凄まじいリズムの緊張感、非常に耳障りな不協和音の集合体、そして密度の高い藪のようなポリフォニーを統制している。そのかなり人を寄せ付けない、歓迎されない外見の裏側に、この作品は暗く輝く情熱、純粋な表現の深みを隠しており、それは繰り返し聴くことによってのみ明らかになる。これは録音の存在が計り知れない価値を持つ種類の曲である。3つの楽章のタイトル、「Farouche（荒々しい）」、「Flottant（揺れ動く）」、「Trpidant（騒がしい）」は、音楽の表現的なムードを忠実に反映しており、この交響曲を作曲家の偉大な呪術的儀式のカテゴリーに入れている。
未完成のオペラが1974年の生涯最後の1年間を通じて作曲家を多忙にさせていたため、1973年に完成した弦楽のための2つの作品が彼の遺言となり、彼が完成させることができた最後の作品となった。12の声部（ヴァイオリン7、ヴィオラ2、チェロ2、コントラバス1）のための『時の矢（La Flche du Temps）』と、11の声部（ヴァイオリンが7ではなく6）のための『陰陽（Yin-Yang）』は、彼のカタログの170番と171番にあたり、多くの点で「双子星」であり、音楽的にも哲学的にも二部作を成す、互いに補完し合う二つの半分である。これらはほぼ同時に着想され、ムスティスラフ・ロストロポーヴィチからの委嘱であった『陰陽』が先に書き始められたが、ジョリヴェがベルン放送から緊急の委嘱を受けたため一時脇に置かれ、『時の矢』の後に完成された。後者は1973年11月12日にベルン放送にて、委嘱者であるスイスの指揮者テオ・フグによって初演された。一方、『陰陽』の初演は約1年後の1974年10月31日、リールにて、ジャン＝ピエール・ヴァレズ率いるアンサンブルをロストロポーヴィチが指揮して行われた。これがジョリヴェにとって最後の旅の口実となった。彼は数週間後の12月20日、パリで急死した。
初期のいくつかの作品（例えば『弦楽のための交響曲』の緩徐楽章）がバルトークの様式との共通点を示しているとすれば、これら晩年の作品の音の語法は、より急進的であると同時により精緻化されている。アンサンブルが常に（それぞれ12と11の）実声部として扱われるため、ポリフォニーの構造はより豊かでありながらも、より透明である。両曲ともほぼ同じ規模だが、途切れることなく展開し、その様相は大きく異なる。『時の矢』は、中庸なテンポの短くコラールのような和声的な導入部で始まり、これが後に周期的に回帰する。続いて、中庸と速いテンポの間で変化する最初の主要部が続く。中間部はより遅く叙情的であり、終結部はフル・ストレングス（全奏）で終わる暴力的で激しいアレグロである。
作曲家はこの最後の完成作を、結婚40周年の記念に妻ヒルダに捧げた。実際、そのタイトルが示すように、『陰陽』は、古代中国の道教の哲学に従い、男女という二つの相補的な基本原理が、夫婦愛の至福の中に統合されることを祝っている。このように、この作品はもう一つの作品、やはりヒルダ・ジョリヴェに捧げられ、20年前の1953年に完成した12の独唱の声のための『エピタラーム（祝婚歌）』と密接な結びつきを持っている。同時に、『陰陽』は神秘主義的な側面を持っており、その構造において数秘術の象徴が非常に重要な役割を果たしている。ここでは、中庸で非常に柔軟なテンポの長い導入部の後に、アレグロが中央に位置し、曲は緩徐楽章で終わる。それは静かで穏やかな結末へと導く。近年書かれた弦楽のための作品の中で最も独創的で価値のあるものに属するこれら二つの晩年の傑作は、いまだコンサート・ライフにおいてしかるべき地位を勝ち取らなければならない。今回の録音がその一助となりますように！
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